“I ritratti, le storie, le donne..." mostra fotografica di Peppino Romano
“Peppino Romano presenta una serie di ritratti femminili che colpiscono nell’immediato chi li osserva. Senza bisogno di inutili orpelli comunicano in maniera diretta, limpida ed imprimono sensazioni concrete nel loro essere significativamente intriganti. Da ogni scatto emerge un’ intensità potente, una ricerca dell’essenza, la capacità di fermare in un solo attimo uno stato emozionale, ma soprattutto ogni singola espressione raffigurata sa restituire la complessità di una soggettività, un aspetto questo che rende vero ogni particolare sublimandolo ed innalzandolo ad un piano di universalità. Tutte queste foto raccontano il connubio tra il fotografo e la donna protagonista, rendendoli entrambi presenti nell’opera realizzata. L’artista capace di carpire vissuti, sguardi, sensazioni, vibrazioni sfuggenti, forza, sensualità, sorrisi accennati, sentimenti forti e travolgenti, o quelli delicati, imperscrutabili, da leggere tra le righe e scoprire in diversificate osservazioni. La protagonista, la donna ritratta, emerge in tutta la sua verità, scomposta e ricomposta dall’occhio del fotografo che è in grado di presentarla nella sua interezza, avvolta da un certo mistero, ma sempre viva, reale, sincera. Il bianco e nero prevale sui colori sospendendo in parte la dimensione spaziotemporale e regalando un senso di assolutezza a questi scatti. E’ evidente la naturalezza di questo fotografo nel cogliere frammenti reali dell’animo umano, nello specifico della donna, i suoi mutamenti e le evoluzioni psicologiche, attitudine innata accresciuta grazie anche ad un’ esperienza ventennale nel mondo della fotografia.”
Donna in-colore mostra personale di Piera Ingargiola
Sabato 26 Settembre 2015 alle ore 19.00 si inaugura al Margaret Café di Terrasini la mostra personale di Piera Ingargiola intitolata “Donna in-colore” promossa dall’associazione AsaDin. Progetto allestimento Calabretta Giovanna – testi e presentazione Trapani Calabretta.
L’evento aderisce all’ Undicesima Giornata del Contemporaneo indetta da AMACI. (http://www.amaci.org/gdc/undicesima-edizione/donna-incolore-di-piera-ingargiola)
La mostra sarà visitabile tutti i giorni dalle 9.00 alle 23.00 fino al 10 Ottobre 2015 presso la sala espositiva del Margaret Café in Via V. Madonia 93 a Terrasini (PA).
La donna che emerge dalle opere di Piera Ingargiola non è semplicemente colorata, è una donna che viene attraversata e che attraversa il colore, una “donna nel colore”, plasmata da cromie differenti che la percorrono rendendola ciò che è. Lamine, macchie, strisce più o meno sottili compongono e scompongono primi piani femminili mostrandone tutte le possibili sfaccettature estetiche, emotive e cerebrali.
Ne emerge la complessità di ogni donna, le sue esplosioni e le implosioni. Sguardi a volte bassi, a volte assenti, ma complessivamente fieri donano l’immagine di una donna sicura di sé, il dolore la lambisce ma emerge maggiormente la forza e la vitalità di chi sceglie una vita in ascesa, come una scala in salita.
Il dolore invece è fissato, immobilizzato nell’immagine che affiora, come fosse parte di un patrimonio genetico e mentale, del cretto di Gibellina. Luogo molto noto a questa artista, nel quale il dolore è imprigionato e diventa simbolo di una violenza assordante, statica, inevitabile, scolpita per sempre nella memoria individuale e storica, che di sovente invece si diluisce fino a scomparire del tutto, sgretolata come le macerie dei ruderi di una città crollata, emblema della vita di tanti. In questo dolore c’è però la rinascita.
La donna di Piera Ingargiola cammina o forse plana sul cretto di Burri indossando delle scarpe rosse in pieno contrasto con quel bianco privo di vita. E’ chiaro che l’immaginario di questa artista e donna sia stato profondamente colpito dalle vicende che caratterizzano la realtà degli ultimi anni, in cui la forza della donna, il suo spirito di indipendenza, il bisogno di liberazione e di autenticità si è dovuto spesso scontrare con una logica del possesso, con tradizioni ataviche e non del tutto superate, con paure e frustrazioni che permeano non solo il genere maschile, ma la società più complessivamente, in un momento di cambiamento come quello attuale.
Un inizio di mutamenti che lascia purtroppo forti segni nella vita e nei corpi di molte donne. Sorelle che spesso sono incasellate come vittime, ma che non ricevono una profonda solidarietà, anche dalle donne stesse. Una vittimizzazione che alimenta paure, sospetti, ripiegamenti e lacrime anestetizzanti si sostituisce spesso ad una possibile voglia di cambiamento, al coraggio di trasformare il modo di concepire la vita, ad una reale riflessione sui sentimenti umani, ad un autentico sostegno a vivere felicemente. C’è quindi una velata denuncia in queste opere, ma soprattutto un omaggio alla donna che lotta, che sorride, una donna complessa, sensuale, che cammina, che gioisce, che spera, che ama, libera di essere se stessa.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/09/24/donna-in-colore-mostra-personale-di-piera-ingargiola/17758
“Odissea – Movimento n° 1”, in scena i 23 allievi-attori di Emma Dante. Un successo meritato.
Si sono appena concluse le repliche nella città di Palermo dello spettacolo teatrale “Odissea – Movimento n° 1” con la regia di Emma Dante, che ha avuto come protagonisti gli allievi della “Scuola dei mestieri dello spettacolo” del Teatro Biondo (foto copertina da palermo.repubblica.it).
“E’ una sensazione rinfrancante quando la nostra terra riesce a dar luce e valore ai veri talenti che ha generato e che non senza difficoltà si trovano a cercare una strada per dare espressione al proprio spessore culturale e artistico, non sempre facilmente riconosciuto e gratificato, che invece potrebbe essere nutrimento e spinta propulsiva per la crescita di tutta la collettività”.
La rappresentazione ha avuto luogo a Villa Pantelleria dal 20 al 31 luglio, riscuotendo un ottimo successo di critica e di pubblico e facendo esaurire i biglietti disponibili in poco tempo. Si è trattato di uno studio innovativo ispirato e ripreso liberamente dal poema omerico. Lo spettacolo, risultato del primo anno di corso agli attori allievi della scuola del teatro biondo diretta da Emma Dante, ha affrontato il mito di Ulisse attraverso l’esperienza dell’attesa vissuta da Penelope e Telemaco. Un classico reinterpretato secondo lo stile ironico, dissacratorio e visionario della regista palermitana Emma Dante.
In scena i ventitre giovani attori-allievi Manuela Boncaldo, Sara Calvario, Toty Cannova, Silvia Casamassima, Domenico Ciaramitaro, Mariagiulia Colace, Francesco Cusumano, Federica D’Amore, Clara De Rose, Bruno Di Chiara, Silvia Di Giovanna, Giuseppe Di Raffaele, Marta Franceschelli, Salvatore Galati, Alessandro Ienzi, Francesca Laviosa, Nunzia Lo Presti, Alessandra Pace, Vittorio Pissacroia, Lorenzo Randazzo, Simona Sciarabba, Giuditta Vasile, Claudio Zappalà.
Tra loro anche il giovane attore di Cinisi, Lorenzo Randazzo, che ha iniziato la sua carriera cinematografica con “I cento passi” di Marco Tullio Giordana, continuando poi a recitare ne “Il principe e il pirata”, “Alla luce del sole”, “Fantasmi nel sud”, “Eravamo solo mille” e che adesso sta approfondendo il suo impegno di attore nella scuola di Emma Dante.
Lo spettacolo “Odissea – Movimento n° 1”, dopo il successo palermitano, sarà replicato a Vicenza, il 26 e 27 settembre, per il 68° Ciclo di Spettacoli Classici al Teatro Olimpico.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/08/03/odissea-movimento-n-1-in-scena-i-23-allievi-attori-di-emma-dante-un-successo-meritato/16529
Antonino G. Perricone, talento artistico e tempra umana
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Il 24 giugno 2015 leggo un post su Facebook scritto dalla pittrice Antonella Affronti: “Antonino G. Perricone se n’è andato”, poche parole che comunicano una grande tristezza.
Antonino G. Perricone è stato un grande disegnatore, incisore, scultore, pittore, punto di riferimento per l’arte contemporanea siciliana e, se pur per pochi anni, anche gallerista, ma soprattutto è stato un uomo ed artista dal carattere deciso e tenace, questo è quello che emerge dalle sue opere e dai racconti degli amici e di chi ha condiviso con lui lunghi tratti del suo significativo cammino artistico.
Ho conosciuto personalmente Antonino G. Perricone in due occasioni legate alla mostra collettiva “Ci vediamo al Margaret Cafè”, prodotta dalla Galleria Studio 71 di Palermo, nella quale era esposto anche un suo quadro. La prima volta al Margaret Cafè di Terrasini il 5 dicembre 2014, e poi a marzo del 2015, quando la mostra si spostò a Palermo alla Libreria del Mare. In entrambe le occasioni, per timidezza, grande emozione e riguardo nei suoi confronti, non ebbi modo di parlargli o rivolgergli qualche domanda, come avrei voluto, però nella seconda occasione che lo vidi, mi trovai coinvolta in un piccolo momento scherzoso durante il quale, sorridente, ci raccontava che da ragazzo portava la barba, poi tolta per amore della moglie. In quel momento, quell’aria apparentemente burbera lasciò spazio alla simpatia e ad uno sguardo dolce, di uomo, se pur sofferente, ricco di un grande carattere. Un piccolo ricordo che tengo caro.
Antonino G. Perricone era nato a Carini (PA) nel 1933 e fin da adolescente si era formato da autodidatta come disegnatore e pittore cominciando ad esporre già a partire dal 1955. Durante il suo percorso artistico, coinvolto dal clima di fervore culturale che si respirava, aprì a Palermo una Galleria d’arte chiamata “El Harca”, erano gli anni tra il 1963 ed il 1968.
Durante tutta la sua vita ha lavorato incessantemente alla propria ricerca pittorica. Nel 1965 costituì la scuola pittorica dei mate-cromatici insieme ad Angelo Denaro, Giovanni Leto, Giovanni Antioco e Nino Caruso, una scuola che si ispirava all’idea di come l’attività dell’uomo stesse causando la distruzione del mondo, così come il titolo stesso di una mostra di Angelo Denaro faceva presagire “Ossido e nickel”, intendendo con ossido il male che corroborava l’esistente e con il nickel quella finta patina che serviva a nascondere la realtà con un’apparenza falsamente luccicante. Una scuola che però non produsse alcuna mostra. Un altro importante sodalizio artistico lo cominciò tanti anni dopo, nel 2005, con Antonella Affronti e Totò Vitrano con i quali fondò un gruppo denominato “gruppoerre”. Le sue tantissime opere sono presenti in collezioni pubbliche e musei d’arte contemporanea in Italia e all’estero. Negli anni ottanta Antonino G. Perricone si avvicinò alla Galleria d’arte Studio 71 guidata da Francesco M. Scorsone con il quale si costituì un legame artistico e umano portato avanti per tutti gli anni a seguire, fino ai suoi ultimi giorni di vita, un rapporto di grande stima ed amicizia che poi è conseguito nella scelta che l’artista fece nel 2014 di affidare proprio a Francesco M. Scorsone la cura dell’immenso patrimonio artistico conservato nel suo studio, che volle donare alla collettività, in coerenza con la sua vita dedicata all’arte.
Giorno 17 luglio la collettiva “Ci vediamo al Margaret Cafè” ritornava alla sua sede iniziale, il Margaret Cafè, dopo essere stata ospitata nella sala espositiva di Casa Memoria Felicia e Peppino Impastato a Cinisi e alla Libreria del Mare a Palermo. Questa mostra, a meno di un mese dalla scomparsa di questo pittore così importante per la crescita culturale del panorama artistico siciliano, per volere di tutti gli artisti e amici, è stata dedicata proprio a Nino Perricone. Il suo piccolo ma energetico quadro era al centro della sala ed il suo ricordo nelle parole dei suoi compagni di avventura, se pur tristi, sempre pronti a raccontare episodi che mettevano in luce il suo contributo al mondo dell’arte e quella tempra di uomo deciso ed energico.
Durante questa giornata ho avuto l’occasione di parlare con Francesco Marcello Scorsone per farmi raccontare un po’ del percorso di questo maestro che con la sua ricerca costante ha dato un contributo di bellezza vera e profonda alla sua terra, la Sicilia, mai abbandonata, che però troppo spesso non sa riconoscere e valorizzare chi ha contribuito alla sua crescita intellettuale e valoriale.
Comincio una chiacchierata dove, dopo poche frasi, riesco a sentire presente e forte il ricordo di una di quelle amicizie vere, sanguigne, tra persone carismatiche, fatte di interessi comuni, scambi, crescite, evoluzioni, polemiche, discussioni appassionate, mai banali e sempre interessanti. Perricone mi viene raccontato così, come una persona forte, che non accettava compromessi, che credeva nell’arte, nel talento vero e non quello fatto solo di pubbliche relazioni ed esibizionismi. Un artista senza mezzi termini che prendeva sul serio il proprio lavoro creativo e che non lesinava di dire quello che pensava, anche se più che alle polemiche ed agli sterili pettegolezzi preferiva dedicarsi al proprio lavoro.
Antonino G. Perricone nel 2014 fece una mostra di disegni intitolata “Quando il segno diventa disegno”. Negli ultimi anni si dedicò maggiormente al disegno perché era troppo faticoso per lui continuare a dipingere o ci fu un cambiamento nella sua ricerca artistica? Fu comunque più un disegnatore o un pittore?
“Lui veramente ha sempre disegnato, esistono delle sue bellissime incisioni. E’ stato sempre un disegnatore, era un disegnatore maniacale e molto preciso, anche nei disegni degli anni passati c’è questa caratteristica, la meticolosità”.
Come è nato il vostro rapporto nella Galleria studio 71?
“Il nostro rapporto è nato a Palermo quando ancora la sede della Galleria era in Via Terrasanta, un giorno si presentò accompagnato da Aurelio Caruso, era il 1983. Mi propose una mostra a “condizioni singolari””.
Mi incuriosisce il tono scherzoso di quest’ultima affermazione. In che senso “condizioni singolari”?
“Siccome lui partiva dal fatto che era stato anche un gallerista, pensava di trovare in me un collega. Io che non conoscevo i suoi trascorsi, mi trincerai dietro il fatto che ero io quello che avrei dovuto gestire, insomma “il pallino lo volevo tenere io”, questo lo disturbò parecchio e così andò via. Però qualche anno dopo ci siamo rivisti. In seguito curai una sua bellissima mostra patrocinata dalla Provincia di Palermo che fu ospitata al Centro Direzionale della Provincia di Palermo dal titolo: “Effeméridi (Una magnifica ossessione)”. Allora è cominciato il nostro rapporto molto stretto e curai parecchie sue mostre”.
La vostra è diventata anche un’amicizia oltre che un sodalizio artistico?
“E’ diventata un’amicizia, un’ottima amicizia al punto che due anni prima che morisse mi diede mandato per dare in pubblica dispersione l’intera sua collezione”.
So che fu una decisione di Perricone quella di non lasciare nulla alla Città di Palermo (intesa nelle sue istituzioni), mi è sembrato di capire che sentì il peso di non essere stato riconosciuto dalle Istituzioni?
“Decisamente sentiva questo peso che sembrava si fosse affievolito quando la Provincia di Palermo patrocinò questa mostra, ma successivamente questa sensazione si ripropose. Lui era un soggetto difficile, sgusciante come si suol dire”.
La sua frattura ed incompatibilità con le Istituzioni locali nasceva dalla crisi culturale e da una situazione generale che non sostiene ed incentiva l’arte o era legata a lui in particolare?
“Perricone i quadri li vendeva, anche molti, ma il suo prezzo non decollava alla stessa stregua di altri perché era un pittore difficile”.
Difficile nella relazione con la politica?
“Si, era molto duro nei confronti della politica e delle istituzioni più in generale. Era abbastanza critico, ma anche io non è che risparmio critiche alla politica, anche se è facile buttare sempre tutto in politica”.
Aveva un carattere deciso?
“Deciso, infatti ancora oggi non mi riesco a capacitare della grande fiducia che mi diede ad affidarmi la cura del suo patrimonio artistico. Quando sono entrato nel suo studio c’erano tanti di quei quadri, 400 grandi e un migliaio piccoli, una cosa enorme, li abbiamo fotografati e distribuiti, a Carini, Sant’Angelo di Brolo…”.
Ma non a Palermo.
“A Palermo niente, ma io stesso glielo sconsigliai. Ne abbiamo dati però un paio alla fondazione Tule di Tommaso Romano che fu colui che volle fare quella mostra patrocinata dalla Provincia”.
Le istituzioni non lo hanno tributato nemmeno dopo la sua morte. Un silenzio comunque troppo assordante verso chi ha speso la vita nella ricerca artistica, che ha dato un contributo all’arte contemporanea siciliana, creando anche una galleria e facendosi fautore di un premio per le accademie, divenendo, come lo stesso Francesco Marcello Scorsone mi racconta durante l’intervista, un riferimento certo per i giovani di allora. Continuo a cercare di capire.
Perché questo mutismo?
“Le risposte sono tante, alcune vanno ricercate anche nelle sue amicizie. Lui ebbe molti amici, ma a nessuno volle mai chiedere niente, avrebbe potuto chiede una sponsorizzazione di una mostra, ma niente, non voleva. Contava molto nel fatto che qualcuno prima o poi gli avrebbe riconosciuto il suo valore. Eppure ebbe vari riconoscimenti di amici e critici d’arte, come Aldo Gerbino, Francesco Carbone che invitammo a delle presentazioni, come quella di una sua unica opera d’arte in Galleria. Nel corso del 2003 presentammo per la prima volta la sua nuova opera di grande formato, di 3 metri per 4, che poi ho voluto donare alla Fondazione La Verde La Malfa di San Giovanni La Punta (CT), perché un’opera di così tanto valore doveva avere un certo riconoscimento e non essere lasciata nelle mani di privati. Un’altra mostra istituzionale oltre quella di Palermo, presentata con un catalogo molto bello e corposo, la fece nel 2004 nel Comune di Marsala, presso L’Auditorium Santa Cecilia, una mostra interessantissima perché dedicata al blu, dal titolo: “Il Viaggio…” con il testo in catalogo di Vinny Scorsone”.
Torniamo agli anni passati, come nacque la scuola dei mate cromatici?
“Perricone era uno degli autori della scuola dei mate cromatici insieme ad Angelo Denaro, Giovanni Leto, Giovanni Antioco e Nino Caruso. La nascita di questo gruppo fu quasi casuale. Denaro faceva delle saldature (vedi mostra Ossido e nickel) le scolature della saldatura assumevano delle forme interessanti. Erano gli anni dell’informale, gli anni 60, c’era questa mentalità e da lì cominciarono quasi per gioco quella che poi diventò una cosa seria. Però come molti altri gruppi di quegli anni, non fecero mai una mostra insieme”.
Quando si sono sciolti?
“Si sono sciolti con la chiusura della Galleria. Devo dire che gruppi molto importanti si sono separati senza avere fatto mai mostre insieme, come Forma 1, gruppo di cui facevano parte Carla Accardi, Ugo Attardi, Pietro Consagra, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo e Giulio Turcato. Erano gruppi che nascevano e si polverizzavano così come nascevano”.
Nascevano più dalla voglia di lavorare insieme e fare arte, che da quella di esporre?
“Ogni artista pensava di avere la verità in mano e affermare un principio di cui gli altri non erano all’altezza. In Galleria avvenivano tante diatribe tra gli artisti”.
Conflitti tra artisti che come emerge da questi racconti però portavano ad una crescita collettiva e ad elaborazioni comuni, oltre che a legami veri che si mantenevano nel tempo.
Leggendo alcuni commenti su Facebook scritti dagli amici ed estimatori di Nino Perricone, ho colto che c’è una grande esigenza di fare una mostra in suo ricordo, si realizzerà?
“Ho molti quadri suoi, qualcuno molto grande, penso di prepararla per il suo anniversario di morte. C’è questa esigenza da più parti, ma le cose se le fai di fretta dubito che riescano bene”.
Un ultimo ricordo di Antonino G. Perricone.
“L’ultima cosa che ricordo di Nino Perricone è una cosa abbastanza singolare. Lui era ricoverato all’Ingrassia, lo andai a trovare la domenica e mi disse: “Ma che sei venuto a fare? Te ne devi andare.” E’ morto il martedì. Non amava farsi vedere in quelle condizioni, era fatto così, come tutti gli uomini di carattere: “Il dolore è una cosa personale, non lo voglio condividere con nessuno”. Io invece penso che non si debba mai avere paura e vergogna della malattia, fa parte di noi, della vita. Questo aspetto però lo caratterizzò sempre, cercava di nascondere il suo problema di salute e di mostrare agli altri che stava bene, era parte della sua personalità”.
Un artista forte ed energetico come le sue opere che lo caratterizzarono durante la gran parte degli anni della sua elaborazione artistica, quei nastri ondulati, monocromatici, materici, quasi metallici, voluttuosi ma forti ed incorruttibili come l’acciaio ed intensi come i colori rossi, blu, verde, oro. Colori e forme che negli ultimi anni cominciò ad abbandonare forse alla ricerca di nuovi percorsi o per una energia fisica che si andava affievolendo, ma mai del tutto. Mi piace salutare questo pittore con le significative parole estratte da un testo scritto dal critico d’arte Vinny Scorsone:
“Onde magnetiche che forgiano e trasformano accendendo di forza generatrice ogni cosa che incontrano. Perricone “scrive” inquietudini esistenziali. Ogni opera è un racconto sempre nuovo composto da fremiti e urla silenziose…”.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/07/30/antonino-g-perricone-talento-artistico-e-tempra-umana/16331
Antonino G. Perricone è stato un grande disegnatore, incisore, scultore, pittore, punto di riferimento per l’arte contemporanea siciliana e, se pur per pochi anni, anche gallerista, ma soprattutto è stato un uomo ed artista dal carattere deciso e tenace, questo è quello che emerge dalle sue opere e dai racconti degli amici e di chi ha condiviso con lui lunghi tratti del suo significativo cammino artistico.
Ho conosciuto personalmente Antonino G. Perricone in due occasioni legate alla mostra collettiva “Ci vediamo al Margaret Cafè”, prodotta dalla Galleria Studio 71 di Palermo, nella quale era esposto anche un suo quadro. La prima volta al Margaret Cafè di Terrasini il 5 dicembre 2014, e poi a marzo del 2015, quando la mostra si spostò a Palermo alla Libreria del Mare. In entrambe le occasioni, per timidezza, grande emozione e riguardo nei suoi confronti, non ebbi modo di parlargli o rivolgergli qualche domanda, come avrei voluto, però nella seconda occasione che lo vidi, mi trovai coinvolta in un piccolo momento scherzoso durante il quale, sorridente, ci raccontava che da ragazzo portava la barba, poi tolta per amore della moglie. In quel momento, quell’aria apparentemente burbera lasciò spazio alla simpatia e ad uno sguardo dolce, di uomo, se pur sofferente, ricco di un grande carattere. Un piccolo ricordo che tengo caro.
Antonino G. Perricone era nato a Carini (PA) nel 1933 e fin da adolescente si era formato da autodidatta come disegnatore e pittore cominciando ad esporre già a partire dal 1955. Durante il suo percorso artistico, coinvolto dal clima di fervore culturale che si respirava, aprì a Palermo una Galleria d’arte chiamata “El Harca”, erano gli anni tra il 1963 ed il 1968.
Durante tutta la sua vita ha lavorato incessantemente alla propria ricerca pittorica. Nel 1965 costituì la scuola pittorica dei mate-cromatici insieme ad Angelo Denaro, Giovanni Leto, Giovanni Antioco e Nino Caruso, una scuola che si ispirava all’idea di come l’attività dell’uomo stesse causando la distruzione del mondo, così come il titolo stesso di una mostra di Angelo Denaro faceva presagire “Ossido e nickel”, intendendo con ossido il male che corroborava l’esistente e con il nickel quella finta patina che serviva a nascondere la realtà con un’apparenza falsamente luccicante. Una scuola che però non produsse alcuna mostra. Un altro importante sodalizio artistico lo cominciò tanti anni dopo, nel 2005, con Antonella Affronti e Totò Vitrano con i quali fondò un gruppo denominato “gruppoerre”. Le sue tantissime opere sono presenti in collezioni pubbliche e musei d’arte contemporanea in Italia e all’estero. Negli anni ottanta Antonino G. Perricone si avvicinò alla Galleria d’arte Studio 71 guidata da Francesco M. Scorsone con il quale si costituì un legame artistico e umano portato avanti per tutti gli anni a seguire, fino ai suoi ultimi giorni di vita, un rapporto di grande stima ed amicizia che poi è conseguito nella scelta che l’artista fece nel 2014 di affidare proprio a Francesco M. Scorsone la cura dell’immenso patrimonio artistico conservato nel suo studio, che volle donare alla collettività, in coerenza con la sua vita dedicata all’arte.
Giorno 17 luglio la collettiva “Ci vediamo al Margaret Cafè” ritornava alla sua sede iniziale, il Margaret Cafè, dopo essere stata ospitata nella sala espositiva di Casa Memoria Felicia e Peppino Impastato a Cinisi e alla Libreria del Mare a Palermo. Questa mostra, a meno di un mese dalla scomparsa di questo pittore così importante per la crescita culturale del panorama artistico siciliano, per volere di tutti gli artisti e amici, è stata dedicata proprio a Nino Perricone. Il suo piccolo ma energetico quadro era al centro della sala ed il suo ricordo nelle parole dei suoi compagni di avventura, se pur tristi, sempre pronti a raccontare episodi che mettevano in luce il suo contributo al mondo dell’arte e quella tempra di uomo deciso ed energico.
Durante questa giornata ho avuto l’occasione di parlare con Francesco Marcello Scorsone per farmi raccontare un po’ del percorso di questo maestro che con la sua ricerca costante ha dato un contributo di bellezza vera e profonda alla sua terra, la Sicilia, mai abbandonata, che però troppo spesso non sa riconoscere e valorizzare chi ha contribuito alla sua crescita intellettuale e valoriale.
Comincio una chiacchierata dove, dopo poche frasi, riesco a sentire presente e forte il ricordo di una di quelle amicizie vere, sanguigne, tra persone carismatiche, fatte di interessi comuni, scambi, crescite, evoluzioni, polemiche, discussioni appassionate, mai banali e sempre interessanti. Perricone mi viene raccontato così, come una persona forte, che non accettava compromessi, che credeva nell’arte, nel talento vero e non quello fatto solo di pubbliche relazioni ed esibizionismi. Un artista senza mezzi termini che prendeva sul serio il proprio lavoro creativo e che non lesinava di dire quello che pensava, anche se più che alle polemiche ed agli sterili pettegolezzi preferiva dedicarsi al proprio lavoro.
Antonino G. Perricone nel 2014 fece una mostra di disegni intitolata “Quando il segno diventa disegno”. Negli ultimi anni si dedicò maggiormente al disegno perché era troppo faticoso per lui continuare a dipingere o ci fu un cambiamento nella sua ricerca artistica? Fu comunque più un disegnatore o un pittore?
“Lui veramente ha sempre disegnato, esistono delle sue bellissime incisioni. E’ stato sempre un disegnatore, era un disegnatore maniacale e molto preciso, anche nei disegni degli anni passati c’è questa caratteristica, la meticolosità”.
Come è nato il vostro rapporto nella Galleria studio 71?
“Il nostro rapporto è nato a Palermo quando ancora la sede della Galleria era in Via Terrasanta, un giorno si presentò accompagnato da Aurelio Caruso, era il 1983. Mi propose una mostra a “condizioni singolari””.
Mi incuriosisce il tono scherzoso di quest’ultima affermazione. In che senso “condizioni singolari”?
“Siccome lui partiva dal fatto che era stato anche un gallerista, pensava di trovare in me un collega. Io che non conoscevo i suoi trascorsi, mi trincerai dietro il fatto che ero io quello che avrei dovuto gestire, insomma “il pallino lo volevo tenere io”, questo lo disturbò parecchio e così andò via. Però qualche anno dopo ci siamo rivisti. In seguito curai una sua bellissima mostra patrocinata dalla Provincia di Palermo che fu ospitata al Centro Direzionale della Provincia di Palermo dal titolo: “Effeméridi (Una magnifica ossessione)”. Allora è cominciato il nostro rapporto molto stretto e curai parecchie sue mostre”.
La vostra è diventata anche un’amicizia oltre che un sodalizio artistico?
“E’ diventata un’amicizia, un’ottima amicizia al punto che due anni prima che morisse mi diede mandato per dare in pubblica dispersione l’intera sua collezione”.
So che fu una decisione di Perricone quella di non lasciare nulla alla Città di Palermo (intesa nelle sue istituzioni), mi è sembrato di capire che sentì il peso di non essere stato riconosciuto dalle Istituzioni?
“Decisamente sentiva questo peso che sembrava si fosse affievolito quando la Provincia di Palermo patrocinò questa mostra, ma successivamente questa sensazione si ripropose. Lui era un soggetto difficile, sgusciante come si suol dire”.
La sua frattura ed incompatibilità con le Istituzioni locali nasceva dalla crisi culturale e da una situazione generale che non sostiene ed incentiva l’arte o era legata a lui in particolare?
“Perricone i quadri li vendeva, anche molti, ma il suo prezzo non decollava alla stessa stregua di altri perché era un pittore difficile”.
Difficile nella relazione con la politica?
“Si, era molto duro nei confronti della politica e delle istituzioni più in generale. Era abbastanza critico, ma anche io non è che risparmio critiche alla politica, anche se è facile buttare sempre tutto in politica”.
Aveva un carattere deciso?
“Deciso, infatti ancora oggi non mi riesco a capacitare della grande fiducia che mi diede ad affidarmi la cura del suo patrimonio artistico. Quando sono entrato nel suo studio c’erano tanti di quei quadri, 400 grandi e un migliaio piccoli, una cosa enorme, li abbiamo fotografati e distribuiti, a Carini, Sant’Angelo di Brolo…”.
Ma non a Palermo.
“A Palermo niente, ma io stesso glielo sconsigliai. Ne abbiamo dati però un paio alla fondazione Tule di Tommaso Romano che fu colui che volle fare quella mostra patrocinata dalla Provincia”.
Le istituzioni non lo hanno tributato nemmeno dopo la sua morte. Un silenzio comunque troppo assordante verso chi ha speso la vita nella ricerca artistica, che ha dato un contributo all’arte contemporanea siciliana, creando anche una galleria e facendosi fautore di un premio per le accademie, divenendo, come lo stesso Francesco Marcello Scorsone mi racconta durante l’intervista, un riferimento certo per i giovani di allora. Continuo a cercare di capire.
Perché questo mutismo?
“Le risposte sono tante, alcune vanno ricercate anche nelle sue amicizie. Lui ebbe molti amici, ma a nessuno volle mai chiedere niente, avrebbe potuto chiede una sponsorizzazione di una mostra, ma niente, non voleva. Contava molto nel fatto che qualcuno prima o poi gli avrebbe riconosciuto il suo valore. Eppure ebbe vari riconoscimenti di amici e critici d’arte, come Aldo Gerbino, Francesco Carbone che invitammo a delle presentazioni, come quella di una sua unica opera d’arte in Galleria. Nel corso del 2003 presentammo per la prima volta la sua nuova opera di grande formato, di 3 metri per 4, che poi ho voluto donare alla Fondazione La Verde La Malfa di San Giovanni La Punta (CT), perché un’opera di così tanto valore doveva avere un certo riconoscimento e non essere lasciata nelle mani di privati. Un’altra mostra istituzionale oltre quella di Palermo, presentata con un catalogo molto bello e corposo, la fece nel 2004 nel Comune di Marsala, presso L’Auditorium Santa Cecilia, una mostra interessantissima perché dedicata al blu, dal titolo: “Il Viaggio…” con il testo in catalogo di Vinny Scorsone”.
Torniamo agli anni passati, come nacque la scuola dei mate cromatici?
“Perricone era uno degli autori della scuola dei mate cromatici insieme ad Angelo Denaro, Giovanni Leto, Giovanni Antioco e Nino Caruso. La nascita di questo gruppo fu quasi casuale. Denaro faceva delle saldature (vedi mostra Ossido e nickel) le scolature della saldatura assumevano delle forme interessanti. Erano gli anni dell’informale, gli anni 60, c’era questa mentalità e da lì cominciarono quasi per gioco quella che poi diventò una cosa seria. Però come molti altri gruppi di quegli anni, non fecero mai una mostra insieme”.
Quando si sono sciolti?
“Si sono sciolti con la chiusura della Galleria. Devo dire che gruppi molto importanti si sono separati senza avere fatto mai mostre insieme, come Forma 1, gruppo di cui facevano parte Carla Accardi, Ugo Attardi, Pietro Consagra, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo e Giulio Turcato. Erano gruppi che nascevano e si polverizzavano così come nascevano”.
Nascevano più dalla voglia di lavorare insieme e fare arte, che da quella di esporre?
“Ogni artista pensava di avere la verità in mano e affermare un principio di cui gli altri non erano all’altezza. In Galleria avvenivano tante diatribe tra gli artisti”.
Conflitti tra artisti che come emerge da questi racconti però portavano ad una crescita collettiva e ad elaborazioni comuni, oltre che a legami veri che si mantenevano nel tempo.
Leggendo alcuni commenti su Facebook scritti dagli amici ed estimatori di Nino Perricone, ho colto che c’è una grande esigenza di fare una mostra in suo ricordo, si realizzerà?
“Ho molti quadri suoi, qualcuno molto grande, penso di prepararla per il suo anniversario di morte. C’è questa esigenza da più parti, ma le cose se le fai di fretta dubito che riescano bene”.
Un ultimo ricordo di Antonino G. Perricone.
“L’ultima cosa che ricordo di Nino Perricone è una cosa abbastanza singolare. Lui era ricoverato all’Ingrassia, lo andai a trovare la domenica e mi disse: “Ma che sei venuto a fare? Te ne devi andare.” E’ morto il martedì. Non amava farsi vedere in quelle condizioni, era fatto così, come tutti gli uomini di carattere: “Il dolore è una cosa personale, non lo voglio condividere con nessuno”. Io invece penso che non si debba mai avere paura e vergogna della malattia, fa parte di noi, della vita. Questo aspetto però lo caratterizzò sempre, cercava di nascondere il suo problema di salute e di mostrare agli altri che stava bene, era parte della sua personalità”.
Un artista forte ed energetico come le sue opere che lo caratterizzarono durante la gran parte degli anni della sua elaborazione artistica, quei nastri ondulati, monocromatici, materici, quasi metallici, voluttuosi ma forti ed incorruttibili come l’acciaio ed intensi come i colori rossi, blu, verde, oro. Colori e forme che negli ultimi anni cominciò ad abbandonare forse alla ricerca di nuovi percorsi o per una energia fisica che si andava affievolendo, ma mai del tutto. Mi piace salutare questo pittore con le significative parole estratte da un testo scritto dal critico d’arte Vinny Scorsone:
“Onde magnetiche che forgiano e trasformano accendendo di forza generatrice ogni cosa che incontrano. Perricone “scrive” inquietudini esistenziali. Ogni opera è un racconto sempre nuovo composto da fremiti e urla silenziose…”.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/07/30/antonino-g-perricone-talento-artistico-e-tempra-umana/16331
“Rosalia la più bella”, un racconto di una mostra dedicata alla Santuzza di Palermo
In questi giorni a Palermo ho avuto modo di visitare la mostra “Rosalia la più bella” inaugurata il 9 luglio 2015 presso la Cattedrale di Palermo, ideata da Francesco M. Scorsone e Loreto Capizzi, visitabile fino al 31 Luglio 2015.
Una collettiva che esalta la bellezza di Santa Rosalia secondo la differente visione di ogni artista, regalandone un’immagine variegata e complessa che va oltre la classica iconografia, pur mantenendo in alcune opere i simboli principali tra cui le rose, il teschio ed il Monte Pellegrino, emblema di Palermo e luogo in cui furono ritrovati i resti di questa bellissima giovane donna che scelse il romitaggio alla vita convenzionale.
Palermo e la sua “Santuzza” sono indissolubilmente legati in un intreccio vigoroso fatto di radici, fede, suggestioni e dedizione. Il culto per Rosalia ogni anno raggiunge il suo apice di passione e devozione durante i giorni del “Festino”, il 14 e 15 Luglio. La celebrazione della Santa si ripropone il 4 Settembre, giorno in cui si svolge la così detta “acchianata” a piedi, la salita sul Monte Pellegrino dove si trova il santuario dedicato a Rosalia. “Viva Palermo e Viva Santa Rosalia” è un saluto, un grido di gioia, di incitazione ed anche di disperazione. L’amore che i palermitani provano per Rosalia è proporzionale a quello che sentono per la propria città, un amore forte, ardente, estremo, intenso.
Rosalia è la Santa che, secondo la tradizione, ha liberato Palermo dalla peste del 1624, ma Palermo, nel corso dei secoli, ha avuto tante altre pestilenze, perché la peste è anche una metafora del male, un male atavico che soprattutto viene da dentro. Una sofferenza spesso autoprodotta, che non fa sviluppare una città bellissima e preziosa, un degrado morale dei poteri che, come una nube tossica, investe tutti e schiaccia chi vorrebbe cullare e coltivare una città che ha la strana capacità di anestetizzare i suoi abitanti, spesso inerti davanti a tutto, ma capaci di reazioni inattese. Esistono a Palermo grandi talenti a volte soffocati, perché si scontrano con un immobilismo narcotizzante.
Rosalia per i palermitani, in questa atavica incapacità terrena di ribaltare l’amara sorte della propria città, rappresenta l’ultraterreno “ultimo appiglio”, la speranza estrema alla quale aggrapparsi. E’ colei che con la sua coerenza ha avuto la capacità di rinunciare all’opulenza che la vita di nobile normanna le avrebbe donato, di rifiutare un matrimonio imposto, per portare avanti la propria idea o fede, trovando una strada personale di liberazione, in questo caso sublimata in una scelta di spiritualità estrema. Ci racconta la forza catartica di dire di no, di cui spesso ci sarebbe bisogno e che troppe volte si attribuisce solo a Santi ed Eroi per non assumersi la responsabilità di cambiamento. Rosalia, la ragazzina bellissima che ha scelto la grotta e l’eremitaggio, purifica i palermitani dalle proprie incapacità e dona loro la forza di reagire quando tutto sta per crollare, sembra non giudicare i suoi concittadini, ma proteggerli come farebbe una madre, una sorella, in primo luogo da se stessi. Come si fa a non amare una donna, una Santa così?
La mostra “Rosalia la più bella” allestita nel meraviglioso scenario offerto dalla Cattedrale di Palermo affronta diversi aspetti di questa riflessione intorno alla figura di Santa Rosalia, che ogni artista interpreta secondo una differente sensibilità e personalità.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/07/16/rosalia-la-piu-bella-un-racconto-di-una-mostra-dedicata-alla-santuzza-di-palermo/15991
“Mediterraneo, fossa comune”, il racconto del Recital e le parole intense di Emilia Ricotti
“Mediterraneo, fossa comune”, svoltosi lo scorso 27 Giugno, è stato un Recital di poesie, pensato e realizzato dalla professoressa, scrittrice e drammaturga Emilia Ricotti, organizzato grazie all’ associazione Simposium di Terrasini.
Eravamo ospitati nel meraviglioso scenario offerto da Torre Alba. Di fronte a noi solo la torre ed uno di quei suggestivi tramonti che soltanto a Terrasini si possono vedere.
Tante persone hanno partecipato a questo momento di riflessione collettiva ed in un sabato sera non era certo una cosa scontata, anche per questo il risultato assume un senso ancora più forte. Emilia Ricotti inizia a leggere i suoi versi che raccontano il dramma di Lampedusa, dei morti in mare. Ogni parola è come una lama che incide e fa sentire il dolore di tante persone su ognuno di noi, sono però parole di cura, fanno male, ma ci ricongiungono col nostro senso di essere/i umani. Raccontano lo sfruttamento del popolo africano e la tragedia di chi sceglie di fuggire da questi luoghi depredati.
Il recital di poesie si è avvalso anche del contributo della professoressa Gabriella Criscione e dei poeti e poetesse che fanno parte dell’associazione Simposium, che in questo caso sono stati invitati a leggere le poesie di Emilia Ricotti, a partire da VeronicaGiuseppina Billone che ha anche introdotto la serata, iniziata con i ritmi e le percussioni del gruppo di musica etnica della scuola Latidou. All’interno della Torre era presente la mostra fotografica di Emilia Ricotti, frutto della sua esperienza diretta a Lampedusa ed una mostra di pittura di “Donne migranti”, la mia. Le fotografie venivano anche proiettate durante la lettura dei brani.
Nel corso della serata abbiamo potuto ascoltare l’intervento dell’Assessore Rosa Maria Viviano che ha raccontato l’esperienza del padre emigrato in America ed il ricordo dei tanti emigranti siciliani, non tanto distante da quello che vivono oggi gli immigrati in Europa e ha dato un messaggio di solidarietà. Abbiamo avuto anche due testimonianze dirette, quella della pedagogista Rosa Nobile che lavora presso una comunità per minori stranieri non accompagnati, che ha raccontato le difficoltà, ma anche le speranze di alcuni giovani che sbarcano e trovano accoglienza presso strutture che cercano di inserire i ragazzi e dare loro un futuro dignitoso, e quella del Dott. Gaetano Roccuzzu che da alcuni anni, all’interno delle forze dell’ordine, si occupa di immigrazione ed ha parlato del dramma di chi intraprende questi viaggi della speranza e della necessità di scelte politiche che possano, da un lato dare un sostegno ai paesi da cui parte quest’esodo di disperati e dall’altro la possibilità di regolarizzare la situazione dei profughi prima che si imbrachino verso l’Europa, affinchè possano viaggiare in situazioni di sicurezza e non nei barconi dove spesso sono costretti a salire per poi trovare la morte in mare.
Poi sono ricominciati i versi toccanti, ed infine i ritmi coinvolgenti dei tamburi.
A fine serata una intensa chiacchierata con Emilia Ricotti.
Come nasce il tuo interesse per il tema dell’immigrazione e per l’Africa in particolare? Hai avuto un contatto diretto con questo mondo, con i popoli africani? Sei mai stata in Africa?
Si, parecchie volte. Sono stata in Kenia tre volte. In questi viaggi ho cercato di vivere fuori dai “Resort”, dove si dormiva solamente. Mi piaceva conoscere il resto. Ormai è diventato un po’ pericoloso e mi dispiace non poter più vivere quelle esperienze. Stando tra la gente ti accorgi di quanto la realtà non corrisponda con quello che hai visto alla tv. Andando in Africa non mi sarei mai aspettata di trovare l’80-90% della gente che vive nelle capanne. In Kenia, a due passi dai Resort a 4 o 5 stelle, appena ti allontani trovi tutt’altro e questa è una situazione generale. E’ un colpo. Parliamo di paesi che vivono di turismo. Lo stesso succede al Cairo. Questa esperienza diretta è stata il motivo dominante per cui si è rafforzata la mia curiosità verso gli sbarchi. In televisione ti fanno vedere solo un flash
Quindi hai deciso di andare a Lampedusa?
Questo flash non mi bastava e ho prenotato il volo aereo. Alcune persone mi chiedevano: “Ma tu cosa vai a fare? Non sei un addetto ai lavori, non hai titolo”. Poi ho avuto l’opportunità di vedere quando erano in 5000 sulla famosa “Collina del disonore” nel 2011. Da una parte c’era questa sofferenza enorme, dall’altra la sofferenza dei lampedusani, schiacciati da tutto ciò. A Milano, in questi giorni, hanno avuto problemi con 100, 200, 300 immigrati. A Lampedusa ho visto 5000 persone che non sapevano dove dormire, stavano così, all’addiaccio. L’esperienza ti porta a conoscere, ed anche la storia. Quando insegnavo, ho trentasette anni di servizio, davanti ad un’alunna di colore, mi è capitato di dover spiegare il “commercio triangolare” (il riferimento è allo scambio di “merci” cominciato nel XVI secolo fra l’America, l’Africa e l’Europa. L’Europa forniva all’Africa tessuti, armi e prodotti finiti, l’Africa forniva schiavi che poi venivano portati in America e quest’ultima forniva materie prime e prodotti coloniali all’Europa). Io mi vergognavo, il commercio triangolare parla dell’Africa, un continente spolpato e poi andiamo a cercare le motivazioni di questo esodo? Come descrivo nell’introduzione alla mostra fotografica, riguardo l’uranio in Niger, visto che si parla di libero mercato, avrebbero potuto venderlo al miglior prezzo, e invece no. Il Niger era una colonia francese e quindi c’è stato l’interesse preponderante di Areva, la multinazionale francese che opera nel campo dell’energia nucleare. Vi riporto un dato che è sull’Espresso di questa settimana. Il 95% dei nigeriani non ha accesso all’elettricità e il restante 5% ce l’ha in maniera non fluente. In Francia un’industria su tre, un ospedale su tre, una lampadina su tre si accende con l’energia dell’uranio che proviene dal Niger. Spolpiamo questi popoli e poi facciamo il discorso di “aiutarli lì”. Li vogliamo aiutare? Basta non spolparli.
Come è nata, all’interno di questa iniziativa che hai proposto, che consiste in letture di poesie e mostra fotografica, l’idea di coniugare l’immagine con la parola?
E’ nata perché soprattutto i ragazzi vivono di immagini. Per rapportarti con loro. Ad esempio a scuola abbiamo realizzato una piccola mostra che faceva parte di un’idea, un progetto chiamato “Per un pugno di riso”, ognuno rinunciava a qualcosa per dare un contributo e poi adottare un bambino a distanza o un progetto di sviluppo. L’idea di abbinare le foto nasce dal fatto che i ragazzi sono assuefatti all’immagine, allora contrapporre a immagini tante volte vane, un’immagine più significativa, li può aiutare a crescere. Coniugare parole, immagine, musica per potere andare incontro ai ragazzi, per arrivare più in profondità.
Pino Manzella che ha assistito al Reading di poesie ed è insieme a me, Emilia Ricotti e alla professoressa Gabriella Criscione (amica e collega di Emilia Ricotti che ha letto alcuni brani durante la serata), domanda: “in relazione alla scrittura, c’è qualche poeta in particolare a cui si ispira?”.
Insegnavo letteratura italiana. Pensavo che non avrei mai scritto un verso, era questa la mia convinzione ed invece non sono stata io a cercare la poesia, ma è stata la poesia a cercare me. Evidentemente quando si prova qualcosa, le parole vengono da sé.
Le domando se la scelta di legare la poesia all’impegno, di dedicarsi ad una “poesia impegnata” come alcuni poeti hanno fatto, è stata per lei una decisione meditata o è nata dagli eventi che l’hanno coinvolta.
Penso che la poesia non possa non essere legata all’impegno. La poesia non può essere solo di evasione, di solipsismo, solo per guardarsi dentro e raccontare il proprio . La poesia è anche “spostarsi”, è un po’ come quando fotografi. I ragazzi scattano 500 fotografie tutte su di sé. Si dovrebbe cominciare a guardare quello che è l’altro, che poi non necessariamente è l’immigrato, ma l’altro da sé. Io non sono un fotografo, ma i grandi fotografi hanno guardato gli altri.
Pino: “in quali scuole ha insegnato letteratura italiana?”.
Ho insegnato letteratura e storia. Per una decina di anni ho insegnato in Friuli, poi avevo nostalgia della Sicilia e mi sono trasferita. Per certi versi è stato quello che volevo, però tornando in Sicilia ho trovato tante problematicità, quella comparazione mi danneggiava sotto certi aspetti. Poi ho insegnato alcuni anni al Libero grassi, al Marco Polo, al Settimo Itc. etc. Gabriella Criscione, che ho voluto accanto a me questa sera, insieme agli altri poeti del Simposium, che sono stati veramente straordinari, è una collega del Marco Polo.
Mi sembra molto importante questo voler coinvolgere gli amici, gli altri poeti a questa iniziativa. Il desiderio di far partecipare, che si lega al discorso appena fatto sul bisogno di guardare all’altro da sè, non solo a se stessi ed al bisogno di condividere. Approfitto della presenza di Gabriella Criscione che ha direttamente partecipato al Reading, leggendo diversi brani scritti da Emilia Ricotti, e le domando come sia stato per lei, che ha letto con grandissima intensità, partecipare a questa esperienza.
Gabriella Criscione: “ ho partecipato con tanta intensità perché il problema mi coinvolge, perché ho pianto quando ho sentito quello che è successo a Lampedusa. Ho pianto per i bambini e le persone che sono finite in mare. Ancora tutto ciò mi coinvolge, quindi e impossibile non partecipare a questo dramma a questa tragedia che continua, ma nello stesso tempo mi ha fatto piacere la traduzione in poesia, che in qualche modo cerca quasi di cautelare, come se questa ferita piano piano venisse in qualche modo appunto cautelata, accarezzata, nella speranza che si ponga fine definitivamente a questo scempio.
Pino rivolgendosi nuovamente ad Emilia Ricotti: “La poesia che rema contro quello che c’è in Italia per adesso. Ogni giorno accendo la tv e vedo Salvini, leader della Lega, che dalla mattina alla sera ripete slogan razzisti. Si può dire che questo tipo di poesia fa quasi controinformazione?
Io non vorrei entrare nella polemica, che comunque c’è, ma vorrei evitare di farlo. Il mio punto di vista è che ognuno di noi debba tirar fuori la pietà. Questa deve vincere su tutto il resto, la pietà significa “sentire l’altro come noi stessi, sentire il dolore dell’altro come se fosse il nostro”. D’altra parte la storia ci insegna che quando la “Pietas” dei latini si estinse, crollò tutto il resto.
Le domando: “Questo concetto di pietà nasce da una visione cattolica o si può riconoscere anche in una concezione laica dell’esistente?”.
E’ una visione anche laica. Perché dovrebbe essere necessariamente cattolica? Questa visione significa che “io mi metto nei panni degli altri, che capisco”.
Una scelta di empatia.
Si, di empatia. A turno chissà, forse nasceremo una volta in Africa e forse nasceremo una volta qua.
Si spengono le luci e ci salutiamo, è un abbraccio tra noi, ma col cuore rivolto a tutta l’Umanità, soprattutto quella più sofferente, vicina o lontana che sia, vittima, derubata, schiavizzata, impoverita, emarginata, guardata solitamente con paura e diffidenza. Perché se nel mondo c’è un solo essere umano, uomo o donna che sia, povero, schiavo, violentato, oppresso, nessuno di noi sarà mai veramente libero e dignitosamente umano.
“Il Visibile Naturale”, la mostra della pittrice modicana Giovanna Gennaro, a Terrasini
Domenica 14 Giugno si inaugura al Margaret Café di Terrasini la mostra di pittura “Il visibile naturale” di Giovanna Gennaro, a cura dell’associazione AsaDin e di Evelin Costa. La mostra sarà visitabile fino al 27 Giugno 2015 presso la sala espositiva del Margaret Café in Via Madonia 93 a Terrasini (Pa).
“Le opere di Giovanna Gennaro sembrano delle poesie soffiate lievemente sulla tela. Paesaggi che affiorano delicatamente, velati e sfumati con grazia, sembrano galleggiare in una dimensione tra il sogno e il tangibile, quasi ad elevarsi e cullarsi nell’aria, sostenuti da un respiro leggero che commuove. Una visione sensibile della realtà, osservata dall’artista mentre sembra quasi allontanarsi lentamente da essa, per osservarla con più complessità ed interezza. I toni tenui dall’azzurro velato di rosa, grigio, verde chiaro, bianco, appaiono come nebbia leggera e soffusa, la luce irradia ogni cosa circondandola di un’aura inesplicabile, miraggio e oblio. La natura è osservata come attraverso una sorta di lente smerigliata che le concede nuova vita e nuovi significati e tra velature leggere, di tanto in tanto, appaiono nitidi segnali del reale, che lacerano questa atmosfera di incanto fluttuante. Eppure questa sensazione di impalpabilità rende ad ogni oggetto, luogo, elemento una forte intensità, una presenza a cui non si può non guardare. Ciò che è etereo paradossalmente si staglia con forza davanti allo sguardo di chi osserva, rivelandosi al mondo, come le maschere di Pirandello, anche qui rappresentate in modo quasi incorporeo e spirituale, che diventano un monito a riflettere sulla propria identità”.
Giovanna Gennaro, nata in Belgio nel 1957, vive e lavora a Modica (RG).
Ha frequentato la scuola “SALVATORE FERMA”, fondata dal maestro Giovanni De Vita a Ragusa per affinare il suo talento che si è sviluppato a poco a poco e a cui si è dedicata con grande passione ed impegno. La sua prima mostra è del 1990 presso la galleria il Convegno di Ragusa. Ha esposto in diverse Collettive e mostre Personali in tutto il territorio Italiano. Le sue opere si trovano presso collezionisti privati, presso la
Fondazione Grimaldi di Modica (RG), diverse associazioni culturali e gallerie d’arte.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/06/11/il-visibile-naturale-la-mostra-della-pittrice-modicana-giovanna-gennaro-a-terrasini/14857
“La mia isola. Leggende siciliane” personale di pittura di Naire Feo
Domenica 31 maggio si inaugura al Margaret Café di Terrasini la mostra di pittura “La mia isola. Leggende siciliane” di Naire Feo, a cura dell’associazione AsaDin. La mostra sarà visitabile fino al 13 giugno 2015 presso la sala espositiva del Margaret Café in Via Madonia 93 a Terrasini (Pa).
Naire Feo è un’artista la cui sensibilità traspare nelle opere che dipinge. Paesaggi eterei e soffusi che trasportano in un’atmosfera sognante, in un ritorno ad uno stato ancestrale, quello della dolce infanzia che amiamo proteggere come uno scrigno prezioso. Emerge un’idea utopica del mondo, un amore spiccato per la natura e per il bello, per il cielo terso o velato di nuvole impalpabili che sorregge in maniera quasi materna altri piccoli tesori colorati, isole, alberi, fiori, frutti, dolci, castelli, paesaggi incantati. Il rispetto per le bellezze incontaminate porta l’artista ad una grande attenzione e ricerca attuale verso un mondo ecosostenibile, “l’isola che non c’è”, che da leggenda diventa un mondo possibile, anche se forse solo in un sogno ad occhi aperti.
Nella mostra intitolata “La mia isola. Leggende siciliane”, Naire Feo, ispirandosi alle leggende siciliane raccontate nei testi di Claudio Alessandri, ha rappresentato in modo soave il racconto mitologico del popolo siciliano fatto di simboli, luoghi, personaggi storici e fantasiosi. Una narrazione misteriosa e affascinante dove il reale si fonde con l’irrazionalità. Ogni quadro contiene un’opera nell’opera, una sorta di finestra che può essere interpretata come un significato nel significato, un flashback, un’intuizione improvvisa, il razionale nell’irrazionale, a creare una intima ed interiore sintonia tra l’artista e chi si nutre della sua arte. Tra le leggende raccontate in pittura quella di Colapesce, Il ratto di Proserpina, la Leggenda di Re Artù, Isola delle Femmine, Santa Rosalia… un viaggio surreale e fiabesco nel quale fluttuare in libertà.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/05/29/la-mia-isola-leggende-siciliane-personale-di-pittura-di-naire-feo/14496
“Il mare non ha confini”, mostra fotografica di Giuseppe Viviano
Venerdì 31 luglio 2015, alle ore 19.00, si inaugura al Margaret Cafè di Terrasini la mostra fotografica di Giuseppe Viviano “Il mare non ha confini”, a cura dell’associazione Asadin (scarica la locandina dell’evento).
Una mostra dedicata al mare, simbolo di costante trasformazione e movimento, col suo orizzonte che forse è solo un’illusorio effetto ottico, un confine auspicato o temuto, ma comunque irraggiungibile. Il mare che rappresenta le attese, le speranze, la creazione e la distruzione, la morte, ma che è sempre e comunque vita. La mostra sarà visitabile fino al 20 agosto presso la sala espositiva del Margaret Cafè, in Via Madonia 93 a Terrasini (PA).
Giuseppe Viviano è insegnante di professione, coltiva l’interesse per la fotografia in particolare per quella etno-antropologica, per il reportage sociale e lo still life. Tra i soci fondatori dell’Associazione Asadin di Cinisi, socio e segretario dell’Associazione Imago di Palermo. Delegato FIAF, Federazione Italiana Associazioni Fotografiche per la Regione Sicilia, fa parte dei collaboratori FIAF del Dipartimento Didattica. Ha esposto in mostre personali e collettive. Si occupa di critica fotografica.
“Il mare non ha confini”, di Giuseppe Viviano
“Il mare è una metafora. Tra le più forti, le più poetiche, le più ricorrenti. Elemento vivo, senza inizio e senza fine, sempre uguale e sempre diverso. Incerto, mutevole, cangiante, sottoposto ora ai capricci della luna, ora alle bizze di fortunali e brezze. Affascinante e terrifico, il mare può mostrarsi benigno e ingannevole, generare la vita o provocare la morte. Fotografare il mare vuol dire rincorrere l’infinito. Perché il mare non ha confini. Ciò che ci appare come un confine, è spesso un’illusione, un inganno della nostra percezione. Se la superficie ci rassicura, cullando pagliuzze di sole, l’orizzonte ci disorienta con le sue lontananze inarrivabili. E a terra, lungo la linea di terra che arretra e avanza come i passi di uno sciamano, i segni delle sue pulsioni sulla sabbia umida, impronte di gabbiani, geometrie senza regole, arabeschi, e tracce della presenza umana: una sedia solitaria attende un appuntamento in riva al mare con qualcuno che non arriverà, una distesa di rifiuti sulla spiaggia in un pomeriggio di ferragosto, vernici e oli esausti galleggianti nelle acque placide di un porticciolo”.
Con immagini riunite in trittici tematici che esaltano il dettaglio, la mostra indaga il mare in questi luoghi estremi e nel rapporto complicato con l’uomo.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/07/30/il-mare-non-ha-confini-mostra-fotografica-di-giuseppe-viviano/16378
Presentazione del libro “Dì Mattin Diario” di Danilo Fodale e mostra di pittura di Massimiliano Errera
Lo scorso 22 agosto, ho assistito ad un evento promosso dal PB projectche intrecciava teatro, letteratura, musica e pittura, nella terrazza del Palm Beach Hotel di Azzolini a Cinisi, con lo sfondo di un meraviglioso tramonto sul mare.
Un momento di riflessione tra sorrisi e poesia a partire dal libro “Dì Mattin Diario” scritto da Danilo Fodale, attore, regista e scrittore nato a Erice, che insieme all’amico conterraneo, il pittore Massimiliano Errera, al quale si devono anche le illustrazioni all’interno del libro, ha fondato a Trapani il laboratorio d’arte “Spazio OniricO”, un luogo in cui si intrecciano diverse forme d’arte e si propone una crescita e ricerca culturale.
La serata comincia con le note della chitarra e della voce intensa di Piero Di Dia, che intramezzano la lettura di brani del libro recitati dallo stesso Fodale. Visioni surreali che affrontano il tema del viaggio, una “fuga dal tempo” e dalle paure, dai propri freni e consuetudini, rappresentate da una “bestia” che insegue. Un viaggio verso una rinascita ed una vita nuova nella quale non si debba costantemente pensare al tempo, dove lo scopo di ogni azione non debba essere “quello che guadagna la fetta più piccola del tempo”.
Tra ritmi lenti e più sincopati, tra visioni surreali, una sorta di autoanalisi che diventa collettiva, di introspezione fuori dalle abitudini, dal tempo scadenzato, dal razionale. “Sapreste dirmi se è vero? Se tutto quanto scorre per come lo si vede o se solo si vive in una qualche proiezione di una qualche cosa che non si conosce?”. Ogni mattina il protagonista Gastone affronta una nuova avventura. Significativo l’incontro con tantissime orme di ogni forma o misura. Tra risate e dolore, si presentano come le orme di chi ha avuto il coraggio di lottare per una speranza di cambiamento, ma con la consapevolezza di non essere ricordate: è “l’esercito degli invisibili”. Un dubbio inquieta: sarà vero che “gli uomini passano, ma le idee restano?” Perché anche chi lo ha detto è un’orma tra le orme. Mattina per mattina si arriva fino alla “mattina dopo”, quella che sta ad ognuno di noi il compito di riscrivere…
Nel piano superiore del Palm Beach è allestito lo spazio espositivo dove si svolgono gli eventi del PB project. Alle pareti le tele di Massimiliano Errera, nella sua mostra intitolata “Il paese dei balocchi”. Colori molto vivaci, immagini surreali, che emergono dall’inconscio. Domando all’artista come mai il monaco dipinto sulla prima tela all’ingresso della sala (che è anche la copertina del libro) e su una seconda tela dove il monaco osserva ed è osservato da infiniti occhi, abbia le unghia verniciate di rosso. E’ un input che porta il pittore a raccontarmi come questi quadri nascano da un viaggio personale. Da bambino una delle sue prime espressioni artistiche era quella di colorare le proprie unghia. Mi racconta brevemente che ogni quadro rappresenta momenti di vita, come ad esempio quella grande giraffa con un nodo nella gola che ricorda un periodo particolare della propria esistenza. Sono viaggi surreali, ironici, onirici, come un gioco che nessuno può giudicare perché è parte di un proprio mondo reale, ma anche di un sogno. Significativa è anche l’immagine di un quadro che rappresenta il tempo, raffigurato da un orologio squarciato come un tamburo dal proprio suonatore affranto, due aquile volano verso l’infinito. L’autore mi spiega che quegli uccelli rappresentano la liberazione del sogno, ma c’è un paperino che ride a sdrammatizzare tutto.
Errera ha studiato all’Accademia d’Arte di Bologna, dove il più grande insegnamento mi dice di averlo ricevuto dai tanti ragazzi incontrati sulla propria strada, con i quali fare arte insieme, un po’ come si stanno riproponendo nel centro “Spazio OniricO” fondato a Trapani, città amata da questi artisti, ma dalla quale, come Fodale afferma precedentemente, è necessario purtroppo anche allontanarsi, perché non offre grandi spazi per chi, ad esempio, vuole fare teatro.
E’ la consueta immagine della nostra Sicilia, isola di intelligenze, di creatività, di spirito artistico, di passioni. Terra che attira, che fomenta, che suscita, che sviluppa e che contemporaneamente respinge e porta alla fuga. Ma anche qui si tratta di partenze e ritorni, tra il sogno e la vita.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/08/25/presentazione-del-libro-di-mattin-diario-di-danilo-fodale-e-mostra-di-pittura-di-massimiliano-errera/16925
“La mia isola” di Naire Feo, tra leggenda, realtà e utopia
Incontriamo Naire Feo il giorno dell’inaugurazione della mostra “La mia Isola. Leggende siciliane”. Siamo al Margaret Cafè, in un tavolo all’esterno del bar per respirare il fresco della sera dopo aver trascorso un bel pomeriggio accompagnati dalla vista dei quadri di questa artista siciliana, da letture e dalla musica del Maestro Innocenzo Bua. La nostra più che una vera intervista è una chiacchierata a tre, visto che assieme a me c’è Pino Manzella. Siamo rilassati e sorridenti.
Pino Manzella: i tuoi quadri raffigurano alcuni miti e leggende siciliane, da cosa nasce questa mostra?
“Nasce cinque anni fa. Dovevo fare una personale per la Provincia e non sapevo quale tema affrontare. Ho letto alcuni libri del professore Claudio Alessandri, deceduto da due anni. A partire da questo è nata la mia idea di trattare alcune leggende siciliane. Le leggende rappresentate nella mia personale sono infatti frutto della rielaborazione di alcuni testi antichi e meno antichi di Claudio Alessandri, con lui è stato un lavoro molto importante, ci sentivamo anche quattro volte al giorno, in lui ho trovato una persona veramente disponibile e generosa”.
Evelin Costa: nella tua mostra affronti diverse leggende, “Il ratto di Proserpina”, “L’isola che non c’è”, “Colapesce”, “La leggenda di Sicilia”, “La pantofola della regina”, “Il castagno dei cento cavalli”… C’è una leggenda che ha un significato più importante per te o che ti ha toccata maggiormente?
“Dalla leggenda di Colapesce ho elaborato quattro opere. Si vede il Castello di Federico II, la mano che sorregge e fa da terza colonna alla Sicilia, il fondo marino dove si trovano i tre elementi che Federico II gettava in mare per farli riportare a Colapesce: la corona, l’anello e la coppa. Ho affrontato tante altre leggende, ed altre potrò svilupparne in seguito, in realtà considero questa una mostra in progress”.
Evelin Costa: nei tuoi quadri sono spesso protagonisti gli alberi, E’ un caso o c’è un motivo in questa scelta? L’albero ha molti significati…
“Non è un caso, dipingo alberi da tanti anni. Sono una paesaggista. Tranne per un breve periodo in cui i miei paesaggi erano eterei, senza alberi e senza niente, per il resto della mia ricerca, il mio leitmotiv è stato l’albero. Perché l’albero ha tanti significati, ha il significato del padre ed ha il significato della natura che purtroppo stiamo distruggendo, infatti il percorso che sto tentando di portare avanti nella mia nuova personale è proprio quello verso l’ecosostenibilità”.
Evelin Costa: noi di Cinisi Online siamo molto sensibili alla questione dell’ecosostenibilità e cerchiamo di raccontare questioni legate all’inquinamento, allo smaltimento dei rifiuti, alla cura del territorio. Puoi dirci che tipo di contributo può dare un artista a questa tematica?
“L’artista può lanciare un messaggio. Si parla molto di ecosostenibilità, di cibi biologici, di biodiversità, architettura biosostenibile, si dicono tante parole ma si vedono pochi fatti concreti. Un esempio è l’Expo di Milano. Siamo sicuri che si stia affrontando nel modo giusto il tema dell’alimentazione biologica? Un artista può dare un messaggio sperando che sia recepito”.
Naire ci racconta di come abbia scelto di lasciare la città per trasferirsi ad Alcamo, di come sia importante coltivare l’educazione e la civiltà, il rispetto del territorio, il riuso, imparare a conoscere la campagna cercando di vivere il verde.
Ci tiene a dirci che il suo impegno e la sua pittura trasmettono messaggi, ma in primo luogo è qualcosa che fa per se stessa, per stare bene: “Bisogna divertirsi a fare le cose”. E la sua gioia si percepisce nelle sue opere.
Pino Manzella: oltre ad essere una pittrice, sei direttore artistico dell’associazione “Ricercarte”. Che progetti avete sviluppato e state portando avanti nel futuro? Naire… facci sapere “cosa bolle in pentola”.
Naire Feo ci racconta la sua esperienza come direttore artistico di Ricercarte, un’associazione creata insieme al marito Bartolomeo Conciauro, anche lui artista, che ha dodici anni di esperienza. “Il 6 giugno inauguro la terza personale dopo un inverno molto proficuo. Si tratta della personale di Gilda Gubbiotti presente al Marconi di Alcamo fino al 12 giugno. Bolle in pentola una collettiva e tante altre iniziative, non solo in Sicilia, sicuramente a Berlino e a Matera. Ma non posso svelare tutto, intanto invito i lettori di Cinisi Online alla personale del 6 giugno”.
Torniamo a parlare dei quadri esposti al Margaret Cafè.
Pino Manzella: quali tecniche pittoriche hai usato per questa mostra?
Naire ci racconta che i suoi quadri sono tutti acrilici su tela. I suoi sfondi sono molto sfumati, eterei.
Evelin Costa: mi hai detto che tra i tuoi riferimenti artistici principali c’è Guccione, un grande pittore siciliano, puoi dirci di più?
“La sua influenza è presente nei miei sfondi. Il mio primo ispiratore è stato Guccione, perché lui rappresenta la Sicilia, i paesaggi della Sicilia. Tante volte mio marito viaggiando per le campagne siciliane mi dice: “Guarda, Guccione!”. Sono fondamentali i nostri paesaggi ed è importante anche la nostra luce, quella del nostro sole”.
Evelin Costa: ho rintracciato un legame tra la mostra “La mia isola” e la nuova ricerca pittorica che stai portando avanti, dedicata all’ecosostenibilità. Un legame tra l’isola della Sicilia, “l’isola che c’è” e “l’isola che non c’è”, quella dell’utopia che vai inseguendo.
“E’ vero, c’è la mia isola e l’isola che non c’è. Tra le varie leggende ho rappresentato quella intitolata “L’isola che non c’è”, un’isola che scompariva (la così detta isola Ferdinandea), ma l’isola che non c’è ha anche un altro significato: mi domando cosa stia rimanendo della vera Sicilia”.
Evelin Costa: l’isola che sogniamo…
“L’isola che sogniamo e che vorremmo. Adesso sto portando avanti una ricerca simbolica, sto dipingendo da alcuni anni una serie di case sull’albero. Quando ho cominciato non se ne parlava tanto, ora esistono. A chi non piacerebbe vivere in una casa sull’albero?”.
Evelin Costa: è il sogno di tutti i bambini.
“Ma siamo bambini anche noi adulti ed è giusto tenere cara questa parte di noi”.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/06/08/la-mia-isola-di-naire-feo-tra-leggenda-realta-e-utopia/14721
“I colori della terra” di Gilda Gubiotti
Vado ad Alcamo al Centro Congressi Marconi a visitare la mostra “I colori della terra” di Gilda Gubiotti organizzata dall’associazione culturale RicercArte.
Gilda Gubiotti è un’artista palermitana che ha un importante percorso artistico alle spalle e tantissime esposizioni personali a livello nazionale ed internazionale.
Entrando al Marconi l’impatto è forte. Una serie di quadri nel corridoio centrale rappresentano fuochi, fiamme e magma. Lava scorre dalle viscere della terra, fiamme invadono quel che resta di un albero, fuochi scintillano dirompenti. Quello che colpisce è il cromatismo di queste opere, colori vigorosi ed energici che ci parlano di Sicilia, l’Etna, la lava, il rosso e il nero. Ho immaginato il magma ribollente dell’isola di Vulcano che scivolando in acqua crea sommovimenti e vapori. Ma questi quadri raccontano anche qualcosa di più interiore, atavico, viscerale.
Il fuoco può avere tante accezioni, vita e morte, rinascita e rabbia. Gilda Gubiotti alla domanda rivoltale dall’artista cinisense Pino Manzella appena entrato nella sala espositiva, sul significato di quel tutto quel fuoco, risponde che “Lei il fuoco lo ha dentro”. E quei colori e quella materia corposa magistralmente utilizzata dall’artista non possono non sconvolgere i fruitori. I quadri sembrano prendere vita e fuoriuscire come fossero tridimensionali, i rivoli di lava sgorgano e le opere divengono coinvolgenti, creando un’emozione a tratti dirompente e tratti sopita e soffocata, come forse sono i turbamenti dell’animo umano.
Gilda Gubiotti mi accompagna a visitare le opere e posso scambiare poche parole con lei, mi mostra alcuni quadri “dipinti dallo spazio”, l’artista si erge oltre, dall’alto, per osservare la realtà e ci mostra il mare e la terra.
Poi raggiungiamo due quadri che definisce “di contestazione”, uno descrive, con tutto il suo carico di sgomento, una fabbrica di Milazzo in fiamme, il titolo è “Disastro ambientale”, ed è molto chiaro il senso che vuole trasmettere. L’altro è dedicato al conflitto arabo-israeliano, e mostra come l’odio tra i popoli crei solo distruzione, fuoco e fiamme.
Subito dopo come per incanto mi trasferisco in una dimensione in apparenza del tutto opposta, il verde del giardino di Giverny. Una serie di tele seguite ad un viaggio in Francia dell’autrice. Qui l’atmosfera sembrerebbe calma ed i colori rasserenanti, verdi e azzurri che sfumano insieme ai chiarori del cielo, la rigogliosità della natura, apparentemente quieta e serena, ma questa è solo una sensazione iniziale, momentanea. Scavando ancora, se si vuole, si può cominciare a sentire la presenza nascosta, velata di una natura in realtà inquieta, nervosa, si percepisce che quel fuoco è sempre presente anche se non si vede, in acque calme che potrebbero cominciare ad agitarsi, in quel verde che non è statico, ma ha una lieve corrente interna che comincia a prendere vita, a trascinare, perché niente è come appare e la natura, anche quella incantata, contiene in sé il bene e il male, è madre e matrigna, in una lotta costante di turbinii interiori che a volte si lasciano erompere e a volte si vogliono soffocare.
La mostra di Gilda Gubiotti sarà visitabile fino al 12 Giugno al Centro Congressi Marconi di Alcamo.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/06/09/i-colori-della-terra-di-gilda-gubiotti/14739
Donna vittima e carnefice, attraverso lo sguardo di artisti. Intervista a Vinny Scorsone
All’inaugurazione della seconda tappa della mostra “Virgo et Virago”, che in questi giorni è visitabile presso lo spazio espositivo di “Casa Memoria Felicia e Peppino Impastato” in Corso Umberto 183 a Cinisi, incontro la curatrice Vinny Scorsone che ha presentato questa mostra con un testo che analizza la donna da due prospettive differenti, quella di vittima e quella di carnefice.
Una visione interessante che si inserisce in un dibattito aperto rispetto al rapporto tra i generi. La prima tappa di questa mostra, tenutasi a Palermo, ha avuto come data di inizio proprio l’8 Marzo, il giorno dedicato alla donna, nel quale negli ultimi anni è prevalso da un lato l’aspetto della festa, dove le rivendicazioni femminili degli anni passati sono state sostituite da un atteggiamento di sfogo e divertimento a volte fine a se stesso, dall’altro lato quello di cordoglio collettivo, di conta delle vittime, con il rischio che, quello femminile venga concepito solo come il genere da difendere e tutelare da parte dello Stato, subordinandolo quindi nuovamente ad una condizione di minorità.
La Mostra “Virgo et Virago” mette in luce qualcosa di diverso, aspetti a cui solitamente si preferisce non guardare, una visione antropologica secondo cui nella donna e non solo nell’uomo, possono essere rintracciati sia il bene che il male, l’essere vittima e l’essere carnefice, caratteristiche innate nell’umanità che poi è la cultura a far prevalere o soccombere.
Negare o mitigare che anche la donna abbia in sé l’aspetto di violenza, potrebbe forse non essere il miglior modo di difenderla ed affermarne i diritti, in una società in cui tutti i giorni centinaia di donne muoiono per mano di un uomo, spesso di famiglia, che non tollera libere scelte. Al contrario, questa negazione, rischia di diffondere e alimentare un pensiero comune secondo cui la donna va difesa solo in quanto è Santa, è madre, è buona, è vittima. Come se l’eventuale riconoscerle anche degli aspetti negativi possa essere una giustificazione alla violenza subita. Per cambiare questa società non abbiamo bisogno di una donna spaventata o tutelata, di una donna santificata o vittimizzata, ma di una donna libera. Questa è comunque un discussione tutta in fieri che non si può risolvere in poche righe. Anche l’arte visiva in questo caso può servire da spunto di riflessione. Ne parliamo con la curatrice.
Ho letto il testo con cui hai presentato la mostra “Virgo et Virago”, la tua mi è sembrata una visione “controcorrente”. Come mai la scelta di analizzare la donna sia nel suo essere vittima che carnefice? Volevi andare contro lo stereotipo che vede la donna solo come fragile e vittima? Dimmi qualcosa in più.
Se la donna continua a considerarsi e proporsi solo in quanto vittima, rischia di entrare sempre di più in una nicchia, una fascia protetta, una riserva indiana. Non è così che secondo me si affronta la questione. Bisogna capire che una donna è qualcosa di più della vittima, è una “persona normale”, è una persona soprattutto. Il fatto che si cerchi spesso di vedere la donna in maniera diversa da quello che è l’uomo è un modo di ghettizzarla ancora di più. Uomini e donne sono uguali, è solo un fatto culturale che li mette su posizioni differenti. O meglio, fisicamente e mentalmente ci sono delle differenze, è inutile negarlo, ma il problema vero di questa società è che le differenze si vogliono annullare, non capendo che invece arricchiscono, un po’ come succede adesso riguardo il problema dell’ immigrazione. Questa infatti è una mostra dedicata si alla donna, ma in realtà è dedicata alle differenze, all’integrazione. Siamo tutti uguali per dignità personale, per diritti, doveri.
Esplorare i lati negativi dell’essere umano, della donna in particolare può servire a questa battaglia culturale per il rispetto delle differenze?
Paradossalmente è un modo per dire che una donna è uguale agli uomini.
Questo modo di considerare la donna, nei suoi aspetti non solo di vittima ma anche di carnefice, può essere utile al fine della lotta culturale contro quello che viene convenzionalmente definito “femminicidio”? A proposito, ti piace questa definizione?
Non mi piace questa definizione. La mia idea era proprio questa, cercare di smetterla di piangerci addosso, prendere in mano la nostra vita, il nostro essere donna e farne qualcosa di positivo, perché se continuiamo a dire: “siamo donne, siamo vittime”, non ce ne usciamo più. Ecco, era una provocazione.
La mostra è stata inaugurata l’8 Marzo non a caso …
Tieni conto che l’inaugurazione è stata fatta alla Galleria Studio 71 di Palermo proprio in un momento in cui si festeggiava l’8 Marzo, mettendo in risalto i diritti della donna ed il femminicidio. Provocatoriamente io ho cercato di iniziare una contro-battaglia per dire che così non andiamo da nessuna parte.
…che poi questa contro-battaglia di cui parli non è così lontana da un pensiero che vuole la donna protagonista, la tua non è una visione antifemminista.
No assolutamente, è un momento di rabbia, per dire “ragazzi, siamo uguali e basta, e quelle differenze che ci sono per natura servono per arricchirci”. Non tutte le donne sono uguali tra loro, e nemmeno gli uomini. In questo mondo esistono persone, ognuna col proprio carattere, col proprio modo di pensare, conta molto in che tipo di cultura ci si forma. La cosa grave è che spesso molto dipende da noi donne che quando diventiamo mamme, soprattutto di un figlio maschio, dimentichiamo tutto quello per cui ci siamo battute prima.
Tornando alla mostra “Virgo et Virago”, che donna e che umanità emerge da questi quadri? Quale aspetto alla fine è prevalso dal lavoro di questi artisti?
Abbiamo lasciato liberi gli artisti di indagare l’aspetto della donna che preferivano, che ritenevano più appropriato. Per assurdo molti hanno puntato l’attenzione proprio sulla donna vittima, anche le donne stesse.
Quindi, malgrado tutto, continua ad emergere sempre il ruolo della donna vittima…
…oppure è carnefice perché è stata vittima.
A quando il prossimo appuntamento?
Questa mostra durerà fino al 20 giugno, l’altra tappa si inaugura il 4 luglio al Museo degli Angeli a Sant’Angelo di Brolo e durerà fino alla fine del mese.
E sarà sicuramente un’ ulteriore occasione per riflettere sulle diverse contraddizioni dell’umanità, sul ruolo della donna nella società, sulla violenza e sulla possibilità di superarla, supportati da opere di importante livello artistico che mostrano con intensità la rabbia, l’angoscia, la passione del turbinio dei sentimenti, lotte e trasformazioni che caratterizzano il vissuto umano.
Gli artisti: Antonella Affronti, Daniela Balsamo, Paolo Baratella, Pierluigi Berto, Ilaria Caputo, Aurelio Caruso, Pina Cirino, Filli Cusenza, Giuseppa D’Agostino, Angelo Denaro, Roberto Fontana, Kindia, Pino Manzella, Malena Mazza, Nico Nardomarino, Franco Nocera, Luca Patrone, Salvatore Pizzo, Vanni Quadrio, Rosaria Randazzo, Giuseppina Riggi, Euro Rotelli, Giusto Sucato, TrapaniCalabretta, Elide Triolo, Tiziana Viola Massa.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/06/14/donna-vittima-e-carnefice-attraverso-lo-sguardo-di-artisti-intervista-a-vinny-scorsone/14920
Il visibile, la pietra e la luce nella pittura cantata di Giovanna Gennaro. Intervista
Certe volte le interviste possono essere un’occasione per fare una discussione piacevole tra amici vecchi e nuovi. Sono con Lidia Vitale, Pino Manzella e Giovanna Gennaro, la pittrice modicana le cui opere in questi giorni sono ospitate al Margaret Cafè di Terrasini. Ascoltiamo la voce di un’artista la cui sensibilità si esprime sia nelle opere che dipinge, che nelle parole che ci regala con toni gentili.
Giovanna Gennaro è una pittrice dal tratto raffinato che comunica molto su un piano emozionale, è giunta a Terrasini da Modica per mostrarci le sue opere, e più le osservo più mi rendo conto che questa è un’occasione da non perdere perché questi quadri sono lievi, onirici, fluttuanti, trasportano in un’atmosfera quasi irreale, pur nascendo da paesaggi dell’ esistente. Come fa notare il pittore Pino Manzella, da questi scenari spesso notturni, tenui, soffusi, esplode una luce improvvisa, bagliori imprevisti che irradiano tutto.
Lidia inizia la chiacchierata complimentandosi con la pittrice per questa mostra, il cui titolo “Il Visibile Naturale”, tratto dalla recensione scritta dalla Prof.ssa Eugenia Storti, rende giustizia alla scelta di “rappresentare la natura in maniera spontanea, con colori e un tratto che offrono l’aspetto esperienziale della proiezione della natura, riflettendo una forte sensibilità nell’approcciarsi al mondo naturale”. “Quali sono le tappe ed i momenti cruciali del tuo percorso artistico e da cosa trai ispirazione”.
“La produzione letteraria mi ispira moltissimo. Nella produzione letteraria troviamo la vita, l’atmosfera, la follia. Ho rappresentato le maschere di Pirandello che esprimono la diversità di ognuno di noi, quello che nascondiamo, le apparenze che a volte ingannano. Oltre alla produzione letteraria, mi ispira il visibile, la natura. Ultimamente ho dipinto paesaggi, soprattutto quelli dove è concentrata la storia, il parco archeologico, dove c’è la storia del nostro passato. E poi c’è la pietra che mi ispira, mi emoziona, mi incuriosisce, mi offre diverse possibilità. Sono spesso stata identificata con “La Città di Pietra”, questo lo sento come un premio alla mia pittura. Vivo in un territorio dove la pietra è dappertutto, nel barocco e nel paesaggio naturale. Quando sono arrivata a Modica, perché io sono nata e cresciuta in Belgio, la prima cosa che mi colpì è la pietra, le geometrie nelle campagne, questa pietra così ben disegnata, questi ricami sulla terra.
Mi soffermo sulla doppia natura che emerge dai suoi quadri: “la pietra è così materica, forte e poi c’è tutto questo contorno soffuso, delicato, spirituale. Da cosa nasce questa dualità, questa sorta di doppia identità?”
“A proposito delle maschere di Pirandello, dentro noi abbiamo tanto che non conosciamo, che non diamo subito”.
Pino Manzella: “ tu sei pure una cantante, se non sbaglio canti in un Coro Polifonico, la musica entra in qualche modo nei tuoi quadri?
“Penso di si. Tempo fa mi hanno chiesto di partecipare ad una collettiva con il Gruppo di Scicli, il tema era la musica. In quel periodo studiavo Giuseppe Verdi, la Traviata, e così ho pensato a lui, ho rappresentato un omaggio a Giuseppe Verdi.
Lidia: “quindi la musica si mescola alle altre forme d’arte”.
“Tutta l’arte mi riempie di gioia.”
Lidia: “Qui in Sicilia chi vuole fare arte, intanto deve sentire forte la sua vocazione, ma anche il portarla avanti richiede un sacrificio perchè non c’è un humus, una situazione sociale, economica, politica che promuove lo sviluppo dei talenti. Come ti sei trovata ad aver dato voce e spazio al tuo modo di esprimerti?”.
Ho cominciato così, per caso. Ho preso i pastelli, intanto perché era una cosa che mi piaceva. Pian piano ho disegnato, ho copiato, ho studiato. I miei primi dipinti consistevano nel copiare Renoir, Degas, gli Impressionisti. Erano dei divertimenti enormi , poi diventarono un impegno.
Pino: “hai frequentato una Scuola d’Arte?”.
“ Ho frequentato la Scuola “Salvatore Ferma” di Angelo Campo a Ragusa per diversi anni, una Scuola d’Arte fondata dal grande acquerellista di Chiaramonte Gulfi, Giovanni De Vita. Amavo molto i suoi acquarelli. Angelo Campo portò avanti la sua Scuola e per diversi anni ho imparato tutte le tecniche, olio, pastello, acquarello, tempera, ma soprattutto il disegno perché nelle mie opere c’è molto disegno anche se è nascosto dal pastello, dal colore. Io devo molto ad Angelo Campo. Un giorno, dopo anni che frequentavo il laboratorio, che era anche un modo per incontrarci, per stare insieme con un gruppo di amici con i quali facevamo delle mostre con grande entusiasmo, mi disse: “hai ali per volare da sola”. Quando mi sono allontanata dall’Accademia mi dispiacque…
Lidia: “significava dover lasciare la sicurezza, la protezione..”
“E la possibilità di lavorare con gli altri. Poi invece capii che aveva ragione.”
Pino: “Scendiamo nella tecnica, ci sono pastelli realizzati con i gessetti e pastelli ad olio grassi, tu quali usi? Il bianco che esplode nella notte è un pastello ad olio?”.
“Chiudo un’opera con il pastello secco perché mi da questa mescolanza di colori. Lavoro spesso con il pastello secco, con il quale ormai ho acquisito la mia manualità, la gestualità, ma mi aiuto anche con l’olio e con l’acquarello. Potrei realizzare un pastello subito dopo aver fatto delle velature di acquarello e poi chiudere col pastello oppure viceversa, insomma, è una tecnica mista, ma non svelo tutto però! Quel bianco che esplode, come tu hai fatto notare nell’introduzione alla mostra, è realizzato con quel colpetto, quella pressione del pastello ad olio che grazie alle sue proprietà si lega al pastello secco che è più etereo, dandogli materia”.
Le faccio una domanda per approfondire un tema che mi aveva accennato in precedenza: “poco fa mi hai detto che per dipingere i tuoi paesaggi utilizzi la memoria, sarà per questo che forse il reale si mescola con l’irreale. Li hai definiti proprio paesaggi della memoria, cosa intendi?”.
Inizio da paesaggi esistenti e poi vado per conto mio, facendo scorrere i miei ricordi… Per raggiungere Terrasini ho viaggiato ed ho guardato, so già cosa dovrò fare quando torno a casa. Il parco delle Madonie, le colline, i vigneti sono veramente molto interessanti.
Come è per una donna essere un’artista, hai trovato difficoltà per affermarti?
“ Per le donne tutto è più complicato, c’è sempre qualcosa in più da fare. Io sono stata fortunata perché sono riuscita a conciliare un po’ tutto, ma la cosa che è importante in questo mondo è volere, avere la passione, amare. Io non potrei stare senza i miei colori. Se non prendo i miei colori è perché ho bisogno di immagazzinare nuove notizie, nuovo materiale per poi ricominciare.
E questa passione, questa delicatezza, questa arte ci viene incontro come un canto soave. Se un soffio leggero sembra aver liricamente adagiato i colori soffusi sulla tela, con una musica dolce questi paiono sollevarsi, elevarsi e raggiungerci, coinvolgendoci in una danza aggraziata tra l’immaginazione e la realtà.
pubblicato su http://www.cinisionline.it/2015/06/22/il-visibile-la-pietra-e-la-luce-nella-pittura-cantata-di-giovanna-gennaro-intervista/15122
"Io non mi fermo qui"
“Spose che dopo aver dismesso l’abito bianco della Festa, apoteosi della ricercatezza estetica, scelgono di indossarlo non più come simbolo di purezza ostentata e di apparenza, ma come “abito di lotta” per il superamento degli ostacoli che si presentano nel corso della vita.
Una serie di scatti mai statici in cui tolti tutti gli orpelli, il trucco perfetto, le acconciature e ogni velo di effimero, è stravolta l’idea convenzionale di bellezza. Un continuo divenire che è movimento anche interiore, una crescita verso l’autoaffermazione. Una donna che afferra la propria esistenza tra le mani scegliendo di non fermarsi dinanzi alle difficoltà, ai limiti imposti ed autoimposti, vivendo intensamente la vita, che nella metafora di una corsa ad ostacoli, non ha come obiettivo un podio, ma il percorso stesso, fatto di cadute, ferite, salti, rialzate.
Così la sposa coraggiosamente intraprende una scalata faticosa verso la meta, arrampicandosi su una parete rocciosa a picco sul mare. Si salva dalle fiamme che vorrebbero avvolgere i veli che la ricoprono, si libera da reti rosse come il sangue che cercano di imprigionare la sua essenza vitale. Sconfigge il filo spinato che trattiene il suo diafano velo ma non la sua anima. Varca un cancello lasciandosi volare dietro ogni pensiero triste. In un braccio di ferro con la morte vestita di nero riesce a vincere. Solleva la propria gonna ingombrante per una corsa libera oltre ogni metaforico “stop”, scavalca muri di asperità, spezza le catene che la opprimono, emerge tra le spine come per risorgere. Scaglia una sedia a un doloroso destino da cui vuole allontanarsi, e sormontando delle scale trova la forza per calpestare ogni possibile segnale di dolore. Esce dal tunnel con passo sicuro, scappa da una galleria verso la luce e la libertà, apre una porta lasciandosi alle spalle spaventose oscurità. Nella sua corsa ad ostacoli è aiutata solo dalle proprie gambe muscolose e da un paio di scarpe da ginnastica, è lanciata in un salto verso il futuro con la forza vibrante di un cavallo nero. Fugge dal male spinta dall’amore per i suoi cari che la tengono legata alla vita e grazie al sostegno degli altri intraprende la propria gara personale, in una sorta di staffetta fra donne e se è in difficoltà non rimane da sola su uno scoglio impervio ma trova una mano a cui aggrapparsi. Rompe la propria immagine sofferente riflessa nello specchio con l’aiuto di una mazza ma soprattutto con una fragorosa risata. Cosa c’è dentro e oltre quell’abito bianco? Uno sguardo che sembra distaccarsi da sé, ma che scava nella propria interiorità prova a svelare questo interrogativo profondo.
Un viaggio intimo ma anche collettivo, nel quale queste spose liberate da ogni paura e costrizione trovano forza in sé e fuori da sé, stringendosi le mani tra loro e guardando verso l’azzurro del cielo, in una corsa comune, sfrenata e sorridente, insieme”.
Testo inserito all'interno dell'articolo http://www.cinisionline.it/2015/03/11/io-non-mi-fermo-qui-una-istantanea/10644
A dieci anni dalla scomparsa di Felicia Bartolotta Impastato, giornata di Impegno e di Memoria
Organizzata dall’associazione ASADIN e patrocinata dal Comune di Terrasini, è visitabile fino al 15 Settembre presso il Margaret Café, in Via Madonia 93, la mostra fotografica “Questione di sguardi”.
Una serie di fotografie in cui viene messo in risalto lo sguardo. Un viaggio emozionale tra occhi che parlano, occhi che ridono, occhi che piangono, occhi che esprimono suggestioni velate, per scoprire complicità, intese, amicizia, stupore, intensità, maternità, in un percorso verso la profondità dell’animo umano e la vera essenza della vita, in cui tutto si esprime solo in una questione di sguardi.
pubblica su http://www.cinisionline.it/2014/08/20/questione-di-sguardi/3816
Antonella Affronti, diario pittorico
La mostra di Antonella Affronti è un evento da non perdere, una raccolta di trent’anni di lavori dell’artista palermitana che mostrano nei colori e nelle forme tutta la loro voluttuosità, passione, corposità fluttuante. Si percepisce la ricerca che l’artista ha sempre rivolto verso la materia, le trasformazioni che la natura stessa compie nell’evoluzione del tempo. Colpiscono i colori forti e vividi. Onde, spirali, forme che lasciano una sensazione di stupore, carnali e sublimi allo stesso tempo. Opere che non possono lasciare indifferenti, trasmettono forza e sensibilità.
Evelin Costa
pubblicato su http://agavepalermo.com/2015/04/11/antonella-affronti-diario-pittorico/
http://agavepalermo.com/2015/09/11/presentazione-del-libro-la-notte-di-silvia-romanzo-desordio-di-stefania-parmeggiani-a-terrasini/
http://www.cinisionline.it/2015/04/27/9-maggio-2015-il-coraggio-di-peppino-nel-nostro-impegno/13268
http://agavepalermo.com/2015/04/25/3271/
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